袁武艺术琐谈

有约

    我不希望学生直接学我的笔墨方法，屋子里建房子，能盖多大？我们离得太近，学得太像就是“近亲结婚”。我有学画的源头，不要模仿画家特有的表现效果，这些效果基本都是原创，你掌握的再熟练，也是别人的东西。影响你的艺术表现和发展。
　　艺术创作是一件痛苦的事，但这痛苦要来自于心灵和头脑，而不是躯体劳作的痛苦。现在许多画家的苦却是来自于制作的艰辛和巨大创作的劳作之累，将绘画引向了复杂、巨大、精细的工艺制作和材料运用的PK之途。
　　意象造型不能简单的理解为是具象和抽象之间的一种形式，意象有时有具象的元素，有时有抽象的元素，意象造型更多的含有诗情和性情。
　　好的作品需要你的技术、你的才能、你的经验，更需要你的灵光一现和当时的情绪。
　　表现语言没有对错，只有搞下。艺术表现一定符合画家的审美，有人喜欢简单，有人喜欢复杂，这与表现对象无关，与画家性格和师承有关。
　　看好的画家写生，你会发现一个问题，他比你用的时间长，他能简、也能繁，他能画出许多你看不见的东西。
　　艺术不是科学，艺术不讲道理。
　　写生时，要把形象特征抽出来放大，强化，把常规形象忽略，即主观，编导致概念，抄导致匠气。
　　越花俏，艺术含金量越低，朴素是一个好艺术品的重要元素。
　　尽量不要靠比例确定造型，要靠感觉。
　　绘画作品一定要熟后生，才会非同凡响，熟后熟一定油滑、匠气。
　　倪瓒、渐江的艺术，不仅有笔墨、有文化，最重要的还要有心态。
　　绘画中国的构图是作品的一个重要环节，在美术馆看展览，最先吸引你的不是技法有多好，形象有多精彩，是不是大名家，而是构图，特别是外轮廓线的把握和设定。
　　把画面画松了很难，把画面画整体了也很难，画画最常犯的毛病是紧了，碎了。
　　一幅好的中国画作品应该有三远：离别人绘画方法远；离真实生活远；离科学道理远。
　　形象是有两种区分的，生活中的生理造型；绘画中的艺术造型；两种造型都要有距离和分界。
　　艺术不能较劲，不是画的时间越长就越好，不能量比。
　　西方素描给中国画最大的启示，不是光影、明暗、立体，而是整体的把握。
　　人物写生要把握三层关系；一、整体与局部的关系；二、主观与客观的关系；三、笔墨与造型的关系。
　　一个普通的艺术家，一辈子靠技术吃饭，一个优秀的艺术家，一辈子靠感觉吃饭，一个艺术大师，一辈子靠个性吃。
　　当一个画家发展到一个高度后，就不能什么题材都画，否则你是没有艺术方向的，不能什么技法都用，否则你的艺术是不成熟的，不能什么展览都参加，否则你是没有思想的。
　　一件作品不必太完美，没有毛病，就没有个性，完美往往就接近通俗，通俗不是错误，但却是没有艺术高度的。
　　现在画写意人物，画脸全力抄照片，服装、身体却又大笔耍笔墨，其实这是比较低的表现手法，因为它犯了一个艺术表现的大忌！不协调，格调也不高。
　　绘画高手与低手的区别往往是画得越好，整体感觉越强，画的越不好、越繁琐，主观的东西少、概括能力差，面面俱到，从头画到尾，是平庸画家的通病。
　　线描是什么？是简化到只用线的艺术语言来表达的一种艺术形式。不能白衣服就用淡线，黑衣服就用重线，这样用线就失去了线描单纯的意义。
　　练习速写的时候要练宽、练深、练活。宽是什么？表现力。不能说只会画老人，只会画破屋子，脸上没褶的年轻人就躲着不画，挺直平整的房子就绕开不画，所谓的练深，就是对物象的理解，要复杂的东西简单画，简单的东西复杂画，要概括和强化并用，艺术表现不能单靠技法解决，艺术需要一些主观感觉，只有这样，你才会发现几个画家画同一个模特，都会画出不同的艺术形象。练活，就是绘画表现的应变能力。
　　造型，不只是比例、特征、形象，还有感觉和习惯。
　　现今中国人物画状态：一抄照片，又细又腻又俗，二软，线软、形软，没有用笔。三乏味，没有笔墨味，没有绘画味，没有趣味。
　　艺术的感觉，有时是灵光一现，不是随时都有的。
　　我们的画里面看不见自己的情绪，性格，大家都在运用一种公共模式创作，是相同的表达方式，是大家都认可的，大家都能驾驭的方法。所以现在的作品多是平庸的。
　　写实绘画是要控制一个度的，要么接近写实，要么超写实，就是不能真写实，那种把写实当写真的绘画是糟蹋艺术的表现，是比较无能的表现。
　　有人说，等把钱挣够了再来搞艺术，那是扯淡！在挣钱的过程中，在有了钱的过程中，你的内存已经换了。
　　画家如果能把自己的经历和感悟与自己的作品打通脉络，那么作品的风格就会有个人的语言，因为每个人的生活和对生活的理解是不同的。如：朱耷的鸟和石头，虚谷的梅花和松树，林风眠和鹭鸶和芦苇。只可惜现在的画家，大多数都是将自己的生活感受和自己的作品分离。